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Jul 31, 2023

Esto es lo que implica dirigir una película animada

Ya sea que planees expandirte con un estilo determinado, como el stop-motion, los directores suelen seguir esta trayectoria al realizar una película animada. Haciendo honor a su título, ser director de cine implica

Ya sea que planees expandirte con un estilo determinado, como el stop-motion, los directores suelen seguir esta trayectoria al realizar una película animada.

En consonancia con su título, ser director de cine implica supervisar su respectivo proyecto en su conjunto desde sus etapas iniciales de preproducción hasta su filmación, edición y listo para distribuir al público. En otras palabras, dirigen el curso de la película. Y a lo largo de la historia de Hollywood, varios directores populares han probado suerte en la animación.

Richard Linklater, Wes Anderson y Tim Burton se encuentran entre algunos de los cineastas de renombre que han incursionado en este ámbito en varias ocasiones. Pero varios directores han lanzado exclusivamente películas animadas a lo largo de sus carreras: tomemos a Hayo Miyazaki de Studio Ghibli o Pete Docter de Pixar, por ejemplo. Estos son dos grandes nombres de la industria de Japón y Estados Unidos respectivamente, y han dirigido algunas de las mejores películas animadas que la industria haya visto jamás.

Pero esos cineastas destacan por dirigir sus propios proyectos. La mayoría de los capitanes al timón de barcos animados tienen codirectores a su lado, que manejan el volante con la misma frecuencia. El Rey León (1994), Toy Story (1995), Shrek (2001): casi todos los actores importantes en este sentido fueron dirigidos por dos personas, si no más. En un proyecto determinado, uno puede estar a cargo de la animación, mientras que el otro se centra en todos los demás aspectos de la realización cinematográfica, como la escritura del guión y el casting. Esto se debe a la naturaleza involucrada de la producción en contraposición a la acción en vivo. Pero sea como sea: toda película comienza con el guión.

Estos son los dos primeros pasos de cualquier guión: taller y guión gráfico. En el corazón de cada película está la historia, y en el alma de cada historia está el personaje. En la fase de taller de producción, el director alinea mentalmente cada elemento de la trama para garantizar que el guión sea lo más sólido e infalible posible. Sin huecos en la trama, sin secuencias tediosas.

Sin un taller adecuado, su historia seguramente fracasará. Dinámicas atractivas y desarrollo palpable: tus personajes son esenciales para un guión atractivo; lo mismo ocurre con la televisión, la literatura e incluso medios como los videojuegos. Cada historia, de principio a fin, debe presentar un crecimiento tangible y relaciones entretenidas para y entre sus personajes. Por supuesto, hay varios otros elementos de la historia que el director debe perfeccionar durante esta fase, como puntos individuales de la trama y resonancia temática general. Pero una vez que se completa el taller, esta fase de diseño continúa.

Ya sea que dibujes tus escenas con figuras de palitos y detalles mínimos de fondo, o que hagas todo lo posible, contrates a un artista talentoso y hagas tu guión gráfico lo más profesional posible, cada guión debe dividirse en escenas que luego se dibujan en paneles individuales. . Estos guiones gráficos se utilizan como esquemas o bocetos de las escenas individuales de la película, lo que permite al cineasta cambiar su enfoque hacia el lado de la animación del espectro de producción.

Una vez que se termina el guión gráfico, cada panel se corta y se ensambla para ensamblar lo que se conoce como animatic. Con la posibilidad de incluir voces en off, música scratch, sonidos diegéticos y, por supuesto, bocetos, la etapa de animación se convierte esencialmente en un modelo del proyecto en sí. Ahí es cuando los directores encuentran su elenco y graban el diálogo antes de regresar al ámbito de la animación técnica. Ese suele ser el orden de los acontecimientos.

Sin embargo, el famoso cineasta japonés Hayo Miyazaki hace lo contrario: primero anima la película antes de grabar las voces. Pero es una excepción en el oficio, ya que es posiblemente el mejor director de películas animadas que jamás haya existido gracias a proyectos como Nausicaä del valle del viento (1984), La princesa Mononoke (1997) y El viaje de Chihiro (2001).

Es una práctica común animar la película después de completar el trabajo de los actores de doblaje para que los animadores puedan hacer coincidir las expresiones faciales de los personajes con sus respectivas entonaciones. Estos son generalmente los pasos secuenciales. A partir de ahí, el paso de previsualización implica el primer modelo de imágenes tridimensionales. Luego, los animadores presentan su trabajo a los respectivos directores del proyecto, quienes luego colaboran con el director de fotografía de la película para establecer un estilo cinematográfico agudo con iluminación, bloqueo, puesta en escena, movimientos de cámara y profundidad de campo.

Una vez completada la fase de animación, el siguiente paso en la producción sería elegir la música (ya sea una partitura original o una banda sonora seleccionada) e implementar efectos de sonido: viento y lluvia en los entornos, bocinas de autos a todo volumen en el fondo, cualquier interacción con objetos inanimados. que pueda producir un sonido.

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El director desempeña un papel destacado en esa fase al transmitir al compositor la naturaleza de la historia en cuestión para producir un tono colaborativo con la música que se toca. Y una vez que se han solucionado los dulces efectos, el equipo pasa al proceso de etalonaje. Aquí es donde las paletas de colores fuertes y cuidadosamente seleccionadas son clave, permitiendo a los directores provocar emociones específicas cuando el público ve algo rojo, por ejemplo.

Por supuesto, las películas animadas suelen ser más dinámicas en su estilo visual, con colores vibrantes y características animadas en cada rincón de sus respectivos mundos bien elaborados. Y, por supuesto, el estilo visual (no sólo los colores, sino también el estilo de animación) es donde entran en juego las discrepancias en la libertad creativa con respecto a los directores y sus homólogos de acción real.

Creativos como Linklater, Anderson y Burton son más conocidos como directores de acción real que han incursionado en el ámbito de la animación; no son principalmente cineastas de la misma. Sin embargo, muchos nombres conocidos de la industria son sinónimo de animación, como el mencionado Hayo Miyazaki. También están Andrew Stanton, Brad Bird y Pete Docter de Estados Unidos, Mamori Oshii de Japón, Sylvian Chomet de Francia y docenas de otros notables como Joel Crawford, Kirk DeMicco, Andrew Adamson y Dean Deblois.

Esos nombres estuvieron al frente de proyectos como Toy Story, Ghost in the Shell (1995), Shrek e Inside Out (2015), poniendo cada uno su sello en los respectivos proyectos. Tomemos como ejemplo al director antes mencionado Richard Linklater. Cuando hace una película animada, utiliza una técnica específica llamada rotoscopia interpolada para hacer que sus proyectos sean más realistas en movimiento pero alucinatorios en estilo. También está Wes Anderson, que realiza exclusivamente funciones stop-motion en este sentido.

Luego está la animación tradicional frente a la digital, que mezcla la animación 2D con la 3D, la combinación de secuencias animadas con otras de acción real y la existencia de la captura de movimiento. Es posible que haya esperado pasos interminables y laboriosos al aprender sobre animación. Pero en verdad, es un arte en sí mismo y requiere años de dedicación y práctica para dominarlo. Con suerte, este es un buen comienzo.

Como guionista en ciernes, Jonah tiene un interés particular en las carreras de los autores: Godard, Kurosawa, Tarantino, Anderson, los Coen y Fincher. Siempre que no esté escribiendo sobre películas o escribiendo películas en sí, probablemente se le pueda encontrar viendo una.